《不回首》收录于苏芮1988年发行的专辑《台北·东京》中。这张专辑是苏芮音乐生涯中的一个重要节点，标志着她从早期纯粹的力量摇滚路线，开始融入更多细腻的情感表达和都市化的人文思考。80年代末的台湾社会正经历着快速的变迁，人们在经济发展的浪潮中，也面临着情感的疏离与精神上的漂泊感。这首歌正是在这样的时代氛围下诞生的。
歌曲的创作者梁弘志，是华语乐坛的巨匠，他擅长用简洁而深刻的笔触描绘复杂的内心世界。他为苏芮创作的这首《不回首》，不再是《一样的月光》那般对社会现象的激烈诘问，而是转向了更个人、更内在的情感困境——一段已经逝去、无法挽回的感情，以及当事人在理智与情感拉扯下的挣扎。它捕捉到了现代人在面对情感终结时，那种想忘却又无法忘、想前进却被过去束缚的普遍心态，使其超越了单纯的情歌范畴，成为一首关于“告别”与“前行”的人生咏叹调。
整首歌词构建了一个充满矛盾与张力的内心空间，核心主题是“理智的决绝”与“情感的羁绊”之间的激烈对抗。
第一部分：决绝的宣言与破碎的现实
“不回首往事虽又压在我心头 / 伸出手只是一片无缘的哀愁”
开篇即是全篇的矛盾核心。主人公首先做出了一个坚定的决定：“不回首”。然而，紧随其后的“往事虽又压在我心头”立刻揭示了这份决绝背后的沉重与无力。记忆并非轻易就能驱散的阴影，它是一种实实在在的重量。“伸出手”这个动作，充满了徒劳的渴望。她试图抓住些什么，可能是逝去的恋人，可能是曾经的温暖，但最终触碰到的，只有“无缘的哀愁”。“无缘”二字点明了结局的不可逆转，这份哀愁并非暂时的失落，而是命中注定的空无。
“琴瑟的弦已断击鼓声已乱 / 破空而起嘹亮的歌不再有”
这四句是全篇最经典的意象。“琴瑟”在古代常用来比喻夫妻或情侣间的和谐关系，“弦已断”则象征着这段关系的彻底破裂，无法修复。“击鼓声已乱”描绘了秩序的崩塌与内心的纷乱，原本稳定的生活节奏和情感共鸣已不复存在。而“破空而起嘹亮的歌”，则代表了那段感情中最辉煌、最充满生命力的时刻，是爱情最美好的高光时刻。然而，这一切“不再有”，连续的否定，强化了失落感的彻底与绝对。这不仅是失去一个人，更是失去了一种生命状态，一种曾经的昂扬与光彩。
第二部分：理智的鞭策与反复的确认
“不回首失去一切虽不能想透 / 向前走忘掉过去绝不再停留”
这一段是主人公的自我鞭策与强制性的心理建设。“失去一切虽不能想透”表达了一种巨大的困惑与不甘。她无法理解，也无法接受为何会落得如此境地。但正是因为无法理解，她才更需要一个简单粗暴的行动指令：“向前走，忘掉过去，绝不再停留”。这三个连续的动词短语，构成了一个充满力量的、不容置疑的命令，仿佛在对自己下最后通牒。这是一种“置之死地而后生”的决心，用未来的行动来覆盖当下的痛苦。
第三部分：记忆的闪回与痛苦的印证
“只有在马蹄扬尘处依稀寻得当时路 / 只有在欢乐后的沉默中 彷佛见到此时苦”
这是全篇情感最细腻、最深刻的转折。前面越是高喊“不回首”，这里的回忆就越是无孔不入。记忆并非清晰的电影回放，而是碎片化的、条件反射式的闪现。“马蹄扬尘处”是一个非常古典的意象，它可能象征着恋人策马远去的场景，也可能象征着两人曾经共同走过的旅程，如今只剩下模糊的尘土痕迹。这说明，记忆并非凭空而来，而是被现实中的某些场景所触发。
下一句则更具哲学意味。“欢乐后的沉默”本应是温馨的余韵，但对主人公而言，这片沉默却成了“此时苦”的放大镜。当下的痛苦，与曾经的欢乐形成了无比尖锐的对比。欢乐有多真切，沉默中的痛苦就有多刺骨。这解释了她为何“不能想透”，因为曾经的美好是如此真实，以至于眼下的破碎显得格外荒谬和残酷。
第四部分：无法回答的终极拷问
“我不知怎么能够接受 / 怎能相信就此分手 / 怎么做才能将往事抛在脑后”
在经历了理智的挣扎与情感的侵袭后，主人公终于卸下了坚强的伪装，发出了三个层层递进的、近乎绝望的问句。从“怎么能够接受”（情感层面），到“怎能相信就此分手”（理智层面），再到“怎么做才能抛在脑后”（方法论层面），她把所有问题都摊开，却找不到任何答案。这三个问句，将她内心的无力、迷茫与痛苦推向了顶峰。她意识到，靠意志力强制的“不回首”根本无法实现。
结尾：循环的宿命
歌曲的最后，通过重复“不回首”和“马蹄扬尘处”等段落，形成了一种结构上的循环。这恰恰印证了主人公的困境：她嘴上喊着“不回首”，思绪却一次次回到原点，反复咀嚼着同样的痛苦。这种循环并非简单的重复，而是在每一次重复中，痛苦被加深，绝望被确认。最终，全曲在“不回首”的呐喊中结束，但这呐喊听起来更像是一种悲壮的自我催眠，而非真正解脱的宣告。
综上所述，《不回首》并非一首简单的劝人放下的歌曲，它深刻地描绘了人在情感创伤后，那种无法自控的、在“前进”与“回望”之间反复撕扯的痛苦状态。苏芮用她那兼具力量与沧桑的嗓音，将这种理智与情感的战争演绎得淋漓尽致，使这首歌成为华语乐坛中关于“告别”主题最经典、最深刻的代表作之一。